Наряды на портретах: что носили красавицы с картин известных художников разных эпох

1. Ренессанс

Мученичество святой Екатерины, Лукас Кранах.

Ренессанс был временем культурного и художественного возрождения, поскольку классицизм совершил революционное возвращение в европейские общества. Однако в этот период также произошли значительные изменения в моде. Посмотрите, как знаменитые платья на картинах повлияли на моду в эпоху Возрождения.

«Портрет четы Арнольфини» Яна ван Эйка является одним из основных элементов изучения ткани в портретной живописи. Изумрудно-зелёный цвет шерстяной одежды на женщине и рукава с подкладкой из горностая демонстрируют статус семьи, поскольку только богатые люди могли позволить себе подобного рода ткани. Шерсть, шёлк, бархат и мех были редкостью и более дорогими в производстве, по сравнению с хлопком или льном, и были символом статуса и достатка. Один из самых обсуждаемых вопросов, связанных с картиной, заключается в том, беременна ли изображённая женщина (предположительно жена Арнольфини). Юбки эпохи Возрождения были такими пышными и тяжёлыми, что женщины задирали их, чтобы было легче двигаться.

Добавленные пышные складки платья также показывают тенденцию к изображению женщин с ярко выраженным животом, поскольку это намекало на зачатие детей во время брака. Другой пример этого «Les Très Riches Heures du Duc de Berry» братьев Лимбург. На обоих изображениях женщины изображены с более округлыми животами. «Великолепный часослов герцога Беррийского» изображает свадьбу, и оно сопоставимо с портретом Арнольфини, поскольку обе женщины проецируют образ материнства в ожидании беременности. Не глядя на картину с современной точки зрения, можно увидеть это как запись того, что носили женщины и что было важно для людей, чтобы показать другим.

2. Периоды барокко и рококо

Княгиня Елизавета Эсперовна Трубецкая, Франц Ксавер Винтерхальтер.

Периоды барокко и рококо характеризуются изысканным декором, декадансом и игривостью. Эти тенденции проявлялись не только в искусстве, но и в моде через замысловатые орнаменты и роскошные платья. Взгляните на некоторые из знаменитых платьев, вдохновлённых произведениями искусства.

Внимание неизвестного художника к деталям и к одежде - вот что делает картину «Элизабет Кларк Фрик (миссис Джон Фрик) и Малышка Мэри» важной записью жизни пуритан Новой Англии. В этом образе Элизабет одета в изысканные ткани и аксессуары Америки 1600-х годов. Её белый кружевной воротник указывает на популярное европейское кружево, встречающееся среди аристократических женщин. Из-под её платья виднеется вышитая золотом бархатная нижняя юбка, а рукава украшены лентами. Также на женщине есть украшения: жемчужное ожерелье, золотое кольцо и гранатовый браслет, что в свою очередь говорит о статусе и достатке. Эта картина предлагает уникальный взгляд на пуританскую жизнь Элизабет и её семьи.

Стоит также отметить тот факт, что художнику мастерски удалось смешать образы богатства в скромной обстановке. Картина ясно демонстрирует богатство Элизабет, подчёркивая её лучшую одежду и украшения. Это также отражает богатство её мужа, Джона Фрика, который мог позволить себе выполнять любые прихоти супруги, покупая ей различного рода наряды и украшения. Ко всему прочему картина символизирует их пуританское отношение благодарности к Богу, поскольку без Его благословения они не смогли бы иметь такую роскошь.

«Качели» Жана-Оноре Фрагонара - пример стиля рококо во французских аристократических кругах. Картина была частным заказом, когда французский придворный попросил художника написать свой портрет и портрет своей любовницы. Несмотря на то, что картина хранилась за закрытыми дверями, она раскрывает роскошь, легкомыслие и тайную природу французского королевского двора.

Пастельно-розовое платье выделяется среди пышного сада и находится в центре внимания. Жан нарисовал платье свободными мазками кисти, которые имитируют широкие юбки и оборчатый лиф её платья. Его свободная кисть совпадает с сюжетом этой идиллической садовой сцены, наполненной кокетливыми и причудливыми образами.

Его картина также демонстрирует тенденции, установленные во французском дворе для моды. Рококо превзошло моду, искусство и архитектуру, чтобы создать что-то уникально французское. Мода рококо включала в себя самые роскошные ткани, в том числе шелка пастельных тонов, бархат, кружева и цветочные узоры, а также чрезмерное количество бантов, драгоценных камней, оборок и декоративных украшений, чтобы создать образ, глядя на который, придворные и гости, сворачивали бы себе головы. Стиль определял разницу между бедными и богатыми, поскольку аристократия могла позволить себе роскошь изысканных тканей и украшений. Для женщин, носящих такие наряды в стиле рококо, картина является воплощением французского королевского двора до революции.

3. Знаменитые платья на картинах XIX века

Симфония в белом № 1, Джеймс Эббот Мак-Нейл Уистлер, 1862 год.\

В XIX веке произошёл художественный сдвиг от неоклассицизма к раннему модернизму, уступив место стилям и школам мысли. В этом столетии также произошли изменения в моде. Читайте дальше, чтобы увидеть, как картины повлияли на появление знаменитых платьев и стилей, которые были заметно более современными, чем раньше.

«Искусство ради искусства» стало связано с «Симфонией в белом № 1» Джеймса Эббота Мак-Нейла Уистлера, который намеревался придать картине духовный смысл. Критики, однако, не увидели всего этого, поскольку на картине была изображена любовница художника, одетая в лёгкое белое платье. В итоге, этот портрет стал скандальным. В течение 1800-х годов женская одежда часто включала нижнюю юбку с кринолином, сделанную из стали. Женщины также носили корсеты среди множества других предметов нижнего белья, чтобы иметь возможность создавать более широкие юбки.

«Женщина в белом» - полная противоположность тому, что было модным и статусным по тем временам. Платье главной героини, изображённой на картине, представляло собой своего рода нижнюю одежду, которую мог видеть либо муж, либо любовник, поскольку считалось, что такую одежду очень легко снять. Для Уистлера его муза должна была стать частью общей сцены, которая радовала глаз. Он изобразил Хиффернан такой, какой видел её, и для зрителей в то время картина была одновременно запутанной и немного неприличной. Тем не менее, с приходом 1900 года такое платье стало нормой для повседневного ношения.

Джеймс Тиссо создал множество картин, изображающих женскую моду в конце 1800-х годов. Он опередил европейскую моду и хорошо известен тем, что рисовал свои сюжеты с учётом последних модных тенденций. Женская мода начала меняться среди молодых леди в Париже и Лондоне в конце 1800-х годов. Широкие и тяжёлые юбки их викторианских предшественников были заменены более узкими с пышными складками сзади.

На картине «Мисс Ллойд» героиня одета в платье так, как его носили в обществе в то время, подчёркивая узкую талию и фигуру песочные часы. «Портрет Кэтлин Ньютон» (его тогдашней спутницы) – полная противоположность образу мисс Ллойд. Художник изобразил женщину в платье так, будто она излучает томность и соблазнительность. Тем не менее, у обеих женщин есть своё особое очарование и тайна, окружающая их. Само платье символизирует различия в популярной культуре в своё время. Один образ - традиционен и условен, в то время как другой - откровенно интимен и скандален для зрителей в 1800-х годах.

Джон Сингер Сарджент создал образ женщины, который, хотя и был неприемлем для его времени, стал одной из его самых узнаваемых и почитаемых картин. Это портрет мадам Виржини Готро, американской красавицы, смешанной с французским высшим обществом. Это вызвало такой скандал, что самому Джону пришлось уехать из Парижа в Лондон.

Её корсет чрезвычайно заострён к нижней половине живота. Острый глубокий v-образный вырез и расшитые бисером бретельки едва прикрывают плечи и обнажают то, что считалось интимными частями женщины, неуместными для демонстрации на публике. После того как Сарджент представил картину на Парижском салоне 1884 года, она вызвала возмущение критиков и зрителей, ведь негоже замужней женщине высшего класса быть в столь провокационно виде. Зрителям в Салоне показалось, что на героине картины надето нижнее бельё, а не платье. И репутация Готро в глазах людей стала скатываться к нулю, ведь многие считали её непристойной личностью. В конце концов Сарджент убрал её имя с портрета, переименовав его в «Мадам Х».

4. Знаменитые платья на картинах ХХ века

Адель Блох-Бауэр, Густав Климт, 1907 год

Искусство в ХХ веке было сосредоточено на абстракции и выражении, претерпевая значительные изменения с новыми стилями и темами. Это также привело к исследованию новых форм и синтезов моды и искусства. Здесь представлены знаменитые платья, изображённые на картинах в течение двадцатого века.

Золотое платье Адель Блох-Бауэр, по сравнению с другими нарядами дам из высшего общества её времени, выделяется среди остальных. Вместо того, чтобы изображать женщину из высшего класса, отдыхающую в саду или читающую на диване, Климт превращает Адель в потустороннюю фигуру. Её платье - это кружащаяся фигура, наполненная треугольниками, глазами, прямоугольниками и иконографией. Нет никаких признаков корсетов с прямой шнуровкой или слоёв одежды. Модерн содержит темы природы и мифические образы. Это также относится к богемной моде, которую Густав носил сам и использовал в различных других картинах.

Он часто рисовал рисунки, созданные модельером Эмили Флеге. Она не так хорошо известна в мире моды, как её современники или предшественники, но она сделала неплохой успех в создании моды для женщин своего времени. Временами это была совместная работа, поскольку Густав использовал её знаменитые платья и во многих других своих картинах.

Тамара Лемпицка создавала портреты, которые исследовали женственность и независимость в 1920-е годы. Художница в стиле ар-деко стала известна своими портретами знаменитостей, которые исследовали стилизованную и отшлифованную форму кубизма, ставшую её торговой маркой. Ира Перро (близкая подруга и, вероятно, любовница Лемпицки) рассматривается как буквальное проявление музыки в «La Musicienne». Что выделяет картину, так это её изображение синего платья. Техника Тамары отбрасывания резких теней с её насыщенной цветовой палитрой придаёт движение платью, так что кажется, будто оно парит в воздухе. Короткий подол платья и ниспадающие складки всё ещё напоминают о моде 1920-х годов, которая стала поворотным моментом в женской моде. Женщины носили платья, которые обнажали их ноги и руки, а также плиссированные юбки, в которых было легче танцевать.

Тамара вдохновлялась и изучала работы мастеров эпохи Возрождения и использовала аналогичные темы с современным подходом. Традиционно синий цвет можно увидеть на платьях Девы Марии на средневековых или ренессансных картинах. Ультрамариновый синий был редок и использовался для значительных картин.

Красочные и ручной работы мексиканские ткани вплетены в работы Фриды Кало. Она приняла эту одежду как часть своего наследия и носила её на многочисленных автопортретах и фотографиях. Знаменитые платья, показанные на картине «Две Фриды», символизируют её связи с обеими сторонами её европейского и мексиканского наследия.

Фрида слева отражает её воспитание в семье высшего среднего класса. Её отец был родом из Германии, и домашняя жизнь в детстве содержала западные обычаи. Белое кружево платья символизирует стиль, популярный в европейской моде. Эта вестернизированная версия контрастирует с желанием правой Фриды принять своё мексиканское наследие, надев традиционное платье. Эта одежда - то, что поощрялось её мужем Диего Риверой, особенно в их борьбе за перемены в своей стране. Платье демонстрировало её гордость за то, что она носит местную и традиционную одежду из Мексики.

Одежда Кало - важный аспект её жизни и работы. После того как в детстве она заболела полиомиелитом, и одна её нога стала короче другой, разноцветные юбки стали для неё способом скрыть свою ногу таким образом, чтобы защитить её от пристального внимания. В гардеробе художницы были платья из tehuana, блузки huipil, ребозо, украшенные цветами головные уборы и старинные украшения. Эти предметы одежды Кало, являются иллюстрацией её любви, боли и страданий, которые она включала в свои работы.

О том, как менялось кимоно на протяжении столетий и какую роль оно сыграло в искусстве и современной моде, читайте в следующей статье.