Федор Рокотов, Жан-Батист Шарден и другие самые выдающиеся художники XVIII века

Получается, что на слуху чаще художники 16, 17, 19 и 20 веков…

А как же век 18? 

Между тем, 18 столетие в истории живописи было не менее интересно. И в это время тоже творили талантливые мастера, которые внесли в изобразительное искусство что-то совершенно новое и удивительное. 

Предлагаю поближе познакомиться с этими замечательными художниками.

1. Жан-Антуан Ватто (1684-1721 гг.)

Жан-Антуан Ватто. Автопортрет. 1721 г. Музей Конде, Франция

Антуан Ватто явился «первой ласточкой» новой вехи в живописном искусстве – эпохи рококо. Переехав в Париж, бывший баталист и поклонник Рубенса, сразу «нащупал» свою тему – высшее общество и их занятия.

Аристократы на полотнах Ватто танцуют, музицируют, отдыхают, гуляют в парке. Завидные сцены беззаботной жизни.

Однако во всем этом неизбежно улавливается ироничный взгляд художника. Чувствуется и двусмысленность, и меланхолия, а порой и грусть.

Взгляните на картину «Затруднительное предложение».

На первый взгляд в сюжете нет ничего интригующего. На фоне природы, будто на сцене, отдыхает компания аристократов. Звуки гитары, неспешные разговоы. Но присмотритесь внимательнее, и мнимая идиллия разрушится в мгновение ока.

Молодой юноша в синем камзоле пытается остановить девушку, порывающуюся уйти. Пунцовые щёки дамы говорят о возмущении, обиде.

Остальные девушки не смотрят на рассорившуюся пару, но человек в красном всё понимает. Его лёгкая усмешка с долей ехидства говорит, что он в курсе всех событий. Но он не собирается вступаться за девушку. Наоборот, ему доставляет удовольствие наблюдать за ее реакцией.

Неловкая ситуация, которая поначалу казалась обыденной пасторалью. Так что картина в стиле рококо тоже может быть многослойной.

В историю живописи Ватто вошёл, как талантливый колорист. Тончайшие оттенки и наслоения коричневых, сиреневых, жёлтых, розовых тонов – всё это фирменное цветовое решение художника.

Рассмотрим «Паломничество на остров Киферу». Эта картина стала переломной в жизни Ватто. Она принесла ему славу и признание.

На картине изумительно выстроена композиция. Персонажи расставлены просто гениально: они будто танцуют, то устремляясь вглубь картины, то приближаясь к зрителю. 

В конце жизни Ватто создаёт ещё одно удивительное полотно – «Вывеска лавки Жерсена». 

Ватто создал эту картину в качестве вывески для реальной лавки своего друга. Поэтому какое-то время этот шедевр висел на улице, над дверью в эту лавку.

Казалось бы, это просто бытовая сцена. Посетители рассматривают картины. Но у Ватто же всегда что-нибудь ещё заложено.

Вот и тут он показывает закат эпохи «Короля-Солнце», Людовика XIV. Аллегорически, конечно – портрет Людовика убирают в ящик. Вот так Ватто умел передавать смыслы с помощью изящных и малозаметных поз и жестов.

И в этом сквозит все та же меланхолия: ведь именно при этом правителе расцвело искусство. Именно в эту эпоху Ватто состоялся, как художник.

Плодотворный период художника длился 12 лет. Но за это время он успел получить признание, вырастить последователей и дать старт новому стилю в искусстве (рококо).

2. Жан-Батист Шарден (1699-1779 гг.)

Жан-Батист Шарден. Автопортрет. 1771 г. Лувр, Париж

Жан-Батист Симеон Шарден признанием при жизни был обделён. А зря – его работы являются величайшим достижением реализма в живописи.

Он был мастером бытового жанра, портрета и натюрморта. Больше всего он любил писать… фрукты. Даже членом французской Академии Шарден стал с формулировкой “изобразитель плодов и бытовых сцен”.

Шарден не вписывался в эпоху рококо. Он принципиально игнорировал моду на изящные сюжеты и парадные портреты. Он был художником «третьего сословия».

Но в результате его работы оказались вне времени. Когда на них глядишь, то невольно удивляешься, сколько любви к окружающему миру читается в его картинах. Кажется, Шарден восхищался буквально всем, что видит вокруг.

Ярким примером такого особого взгляда на жизнь является картина «Медный бак». Ну, кому придёт в голову в галантном 18 веке писать бак?!

В этой простоте мастер видит поэзию. Цветом он передаёт фактуру, полированный блеск от множества прикосновений рук, игру солнца на медных боках.

Это больше, чем натюрморт. Это образ, полный благородства и возвышенности. И никакая простота содержания не может нивелировать эту душевность.

Только самые прозорливые современники сумели по достоинству оценить Шардена (например, Дидро). Да и как можно не восхищаться честностью и наблюдательностью художника. Вот, к примеру, «Мальчик с юлой».

Модный парик, чопорный костюм, тугой шейный платок, строгая осанка. Но Шарден показывает, что это всего лишь мальчик, которому свойственно любопытство и живость характера. И никакими атрибутами это не скрыть.

Художник был преданным семьянином. Даже на автопортрете он предстаёт перед нами в домашнем колпаке, этаким добрым дедушкой. А портрет жены согреты такой искренностью и душевностью, что невозможно пройти мимо.

Образ супруги чрезвычайно правдив, без прикрас и ретуши. Это уже немолодая женщина, но как много здесь преданности и некой интимности. И это во времена, когда от портрета ждали декоративности и вычурной красочности.

Что ж, Шарден смело двигался своей дорогой. Он предпочитал манерности простой рассказ о жизни, о людях и их быте.

3. Каналетто (1697-1768 гг.)

Каналетто. Автопортрет. 18 век. Частная коллекция

Каналетто был основателем школы ведуистов. Нет, это никакое не религиозное течение. А всего лишь живописный жанр, который предполагает детальное изображение городского пейзажа.

Такой подход к пейзажу был в новинку. И именно метод Каналетто оказал наибольшее влияние на все последующие поколения ландшафтных художников.

Начинал Каналетто с изображений повседневной жизни венецианских улиц. И уже в первых его работах есть точность рисунка, владение композицией, знание архитектуры. Вот, к примеру, полотно «Гранд-Канал».

Зрителя буквально обдаёт солнечным светом, свежим воздухом. Взгляд устремляется вглубь пейзажа, немного «спотыкаясь» о гондолы.

А здания вокруг – это уже не бездушные театральные декорации, а полноценные герои картины. Удивительная передача света и тени! Ну как тут не вспомнить об импрессионистах?

Каналетто много работал на натуре, что в то время было редкой практикой. Много экспериментировал с расположением элементов на полотне. И активно применял камеру-обскуру, чтобы достичь документальной точности в изображении.

Но художник не всегда точно переносил изображение реального мира. Если ему казалось, что композиция недостаточно гармонична, он смело изменял вид архитектурных построек. По принципу «Я художник, я так вижу».

В 1746 году Каналетто переехал в Англию, где быстро завоевал любовь публики.

На картине «Вестминстерское аббатство» композиция, конечно, вольная. Если Вы сделаете фотографию с того же места, то у Вас так много всего в кадр не уместится. 

Но зато сколько за счёт этой вольности появляется симметрии и гармонии! Ни одно точное фото не способно передать величавость собора так, как это сделал Каналетто.  

Посмотрите ещё на одну знаменитую картину художника «Скуола Сан-Марко».

Облака с характерной светотенью, величественная архитектура, гармония и льющийся свет. На этой картине мы видим все составляющие мастерства Каналетто.

В конце жизни мастера мода на подобные пейзажи прошла. Он был забыт. Но его влияние на искусство уже не ослабеет никогда. Ведь Каналетто заложил основы совершенно новой эстетики городских пейзажей.

4. Жан-Этьен Лиотар (1702-1789 гг.)

Жан-Этьен Лиотар. Автопортрет. 1868 г. Частная коллекция

Личность Лиотара загадочна. А его биография полна белых пятен, начиная с его внешнего вида а-ля «турецкий поданный», заканчивая отношениями с семьёй.

Известно, что он был 13 ребёнком в семье и получил первое образование, как миниатюрист. После были годы странствий,  о которых мало что известно. Но именно в это время он открыл для себя пастель. Эта техника прославила его на всю Европу.

Одна из первых зрелых работ мастера  – «Три грации».

Здесь можно воочию увидеть, за что мастер так любил пастель. Мягкие линии, плавные цветовые переходы, реалистичное изображение деталей и, конечно, нежный колорит.

Сам художник упоминал, что живопись – это зеркало всего прекрасного, и только пастель позволяет реалистично передавать восхитительный окружающий мир. Глядя на эту пастельную картину, разве можно возразить мастеру?

Казалось бы, до «галантного века» Ватто рукой падать, а Лиотар предлагает нам совсем другую красоту. Парадный портрет и декоративность отметены в сторону.

Мастер отказывается от фона, чтобы его герои не смогли «спрятаться» за пышные витиеватые декорации. Придворным дамам не всегда был по вкусу такой вот «реальный» подход.

Самым известным полотном Лиотра является «Прекрасная шоколадница».

Личность прекрасной героини породила немало мифов. 

Взгляд модели в сторону разрушает все каноны классического портрета. Нейтральный фон делает изображение ещё более рельефным.

После эпохи рококо, когда портреты отличались манерностью и изобилием деталей, «Шоколадница» Лиотара стала просто откровением. Фотографическая правдивость обескураживала и восхищала публику.

Краткий обзор по стилю мастера был бы не полным без какого-либо «королевского портрета». Например, Портрета Георга, Принца Уэльского (позже – Георга III).

Молодой юноша предстаёт перед нами в пол-оборота. Мы не видим пышных одежд, атрибутов королевской принадлежности. Зато сразу наше внимание привлекает румянец на щеках героя: перед нами всего лишь юноша, хоть и принц.

Лиотар – это пример независимости и правдивости в искусстве. От современников нам осталась любопытное изречение, которое многое говорит об этом художнике: «Он наблюдал, как работают другие, и делал…всё по-своему!»

Антон Рафаэль Менгс (1728-1779 гг.)

Антон Рафаэль Менгс. Автопортрет. 1773 г. Галерея Уффици

Антон Рафаэль Менгс (1728-1779) также подустал от излишней пышности рококо, но не стал идти неведомыми тропами.

Он призывал объединить выверенность классических канонов античного искусства с лучшими находками мастеров Возрождения. Нужно взять всё лучшее у лучших. Что может быть проще?

Что ж, публика была только «ЗА». Самые знатные люди эпохи позировали Менгсу. Например, Курфюстр Фридрих Кристиан.

Работа явно выполнена в классическом стиле. Никакой излишней драматизации барокко, скрупулёзной фотографической точности реализма и экспериментов со светотеневыми эффектами импрессионизма.

Герой портрета выглядит, как идеальный представитель своего сословия. Дорогое одеяние, уверенный взгляд, гордая осанка, правильные черты лица.

Современники называли портреты Менгса слишком холодными. Но он всего лишь следовал точным правилам композиции, и классическим законам светотени и перспективы.

«Вкус к совершенству» Менгс демонстрирует и в своих религиозных картинах. Посмотрите на работу мастера «Рождество».

Кажется, что перед нами картина эпохи Ренессанса. Нет, это Менгс. Живописец считал, что художники Возрождения обладали безупречным вкусом. И нет ничего плохого, чтобы им подражать.

Композиция «Рождества» выполнена в ренессансном стиле – чёткое разделение на мир земной и мир небесный. Позы, конечно, несколько наиграны. Но зато фигуры очень удачно расположены в пространстве. Также цвет очень удачно подобран под стать сюжету.

Если бы Менгс жил в 16 веке, то однозначно был бы записан в список величайших художников Ренессанса. Наравне с Рафаэлем и Тицианом. Но этого не случилось, так как он просто шел по их стопам. Пусть и очень мастерски.

Но однажды Менгс перестарался. И чуть ли не был записан в мошенники. Не то, что в великие мастера. И связана эта история с его знаменитой работой «Юпитер целует Ганимеда».

Именно эта картина навсегда рассорила Менгса с его учителем Иоганном Винкельманом. Последний принял картину за античный подлинник, столь точно скопировал Менгс стиль древних мастеров. Более того, он даже внёс полотно в свою искусствоведческую книгу, чем сильно навредил своей репутации, когда обман раскрылся.

Что за авантюрные мысли обуревали Менгса так поступить, неизвестно. Но правду об авторстве он открыл только перед смертью.  

Как бы не ругали Менгса за «холодность и неискренность», но всё же невозможно не признать его достижения. Менгс сначала консервировал классические традиции в живописи, а затем перерождал их в обновлённый стиль – неоклассицизм. 

6. Федор Рокотов (1735-1808 гг.)

Фёдор Рокотов. Автопортрет. 1757 г. Третьяковская галерея

Биография Фёдора Степановича Рокотова могла бы стать сюжетом для захватывающего романа. Он был крепостным. Что на самом деле не удивительно.

Именно людей подневольных в первую очередь отправляли учиться живописи. Так художественная академия была спокойна, что спорить с заведёнными традициями люди, привыкшие подчиняться, не будут.

Но, так или иначе, только талант помог Рокотову пробиться на самый верх, к пышным залам аристократов и самой императрицы Екатерины II.

Рокотов – это наше русское «сфумато». Как и творения Леонардо да Винчи, портреты живописца пленяют загадочными полуулыбками, мягким светом и лёгкой размытостью.

На счету Рокотова создание нового жанра, которому суждено стать чуть ли не национальным «ноу-хау» в искусстве – камерный интимный портрет.

К числу самых известных картин относят «Неизвестную в розовом платье».

Это признанный шедевр, который просто поразил современников. Художник с помощью мельчайших градаций цвета: от лёгкого, тёплого до насыщенного, создаёт эффект мерцания света и трепетания воздуха. И все это довершается «вишенкой на торте» в виде любезной улыбки и глубокого взгляда героини.

А портрет внебрачного сына Екатерины II, Алексея Бобринского видел каждый, кто интересуется историей.

Милый мальчуган с погремушкой, в чепчике с оборками больше походит на девочку. До пяти лет детей не делили по половому признаку, и наряды были одинаковые для всех.

В это время Рокотов был самым почитаемым при дворе художником и любимцем императрицы. Поэтому художник рискнул и придал портрету мальчика черты матери. Хотя происхождение Алексея хранилось в строжайшем секрете.

В портретах Рокотова можно отметить не только реализм свето-воздушной среды. Но и умение передать характер модели: чувство достоинства, гордость, внутреннюю красоту, душевное богатство.

Ни на каком другом портрете Екатерина Великая не была столь грандиозна, величава и…красива, как у Рокотова.

Написанный в честь коронации, портрет стал эталонным изображением Екатерины. Мастер выбрал редкий ракурс для того времени – профильное изображение, выстроив всю композицию вокруг героини.

Властность и честолюбие императрицы Рокотов облагораживает, превращая в прекрасные стремления. Художник улавливает её живой характер, ясный ум, энергию.

Именно благодаря Рокотову мы имеет редкую возможность увидеть, как выглядели его знатные современники. И везде мы отметим реалистичность, благородство и красоту.

***

Такие разные, художники 18 века, каждый по-своему видел живопись и будущее любимого искусства. 

Француз Ватто стал «певцом» аристократического общества.

Еще один француз, Шарден, впервые обратился к бытовым сюжетам, найдя в этом чрезвычайную красоту и поэзию.

Итальянец Каналетто прославил городские пейзажи.

Швейцарец Лиотар по-новому взглянул на портретный жанр, выдвинув на передний план пастельную технику.

Немец Менгс стал основоположником «неоклассики».

А русскому Рокотову было суждено, словно летописцу, оставить для нас талантливые изображения многих влиятельных соотечественников.